Drôles d'ouvrages

L’exposition « Drôles d’ouvrages » réunit quinze artisans d’art autour d’un même goût pour l’étrange et le décalé. Bois, céramique, verre, métal, textile ou matériaux détournés deviennent terrains d’expérimentation et de jeu.

À travers des objets singuliers, parfois hybrides, souvent inattendus, chaque créateur bouscule les usages et questionne notre rapport à la matière et à l’objet. Entre poésie, humour et étrangeté, cette exposition invite le visiteur à porter un regard nouveau sur l’artisanat d’art contemporain, là où le savoir-faire dialogue avec l’imaginaire et où l’ouvrage devient résolument… drôle.

Issu du graphisme, Gaëtan Billault se forme à la céramique à Londres puis approfondit les techniques du tournage en France. Son apprentissage lui permet de maîtriser le façonnage du grès et de la porcelaine, ainsi que le modelage et l’illustration sur céramique. Dans son atelier, il développe une pratique mêlant rigueur technique et expérimentation formelle. Son travail se distingue par la matérialisation de dessins graphiques en volumes céramiques, réalisés principalement au tour, entre formes géométriques et figures sculptées inspirés du mouvement Memphis, du Bauhaus, mais aussi de la culture pop londonienne. Ces personnages font partie de lui et prennent vie lorsqu’il les façonne en grès ou en porcelaine sur son tour ! 

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Sébastien Carré développe une pratique du bijou contemporain fondée sur la maîtrise et la réinterprétation de techniques textiles, intégrées au champ de l’ornement. Héritées de son histoire personnelle et transmises au sein de sa famille, ces techniques constituent le cœur de son processus de création. Il associe matériaux végétaux, animaux et minéraux pour composer des formes organiques et paysagères, jouant sur leurs interactions physiques et sensibles. Son travail met en avant une approche technique hybride, où le textile devient un médium sculptural au service du corps et de la perception.

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Formée au design d’objet, Éléonore Gold-Dalg développe une pratique nourrie par une solide formation en arts appliqués et en design. L’obtention d’un CAP en soufflage de verre au chalumeau enrichit son approche technique et artisanale. Elle maîtrise la mise en forme des matériaux, notamment le verre, à travers un travail précis mêlant expérimentation et savoir-faire. Elle explore l’univers végétal et sa domestication, questionnant à la fois le statut des objets et les conditions de vie des végétaux.

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Diplômées des Beaux-Arts de Reims, Véronique Carlotti et Isabelle Royer développent depuis 1989 une pratique centrée sur la maîtrise technique du fil métallique à grande échelle. Leur travail transforme le lustre en élément architectural majeur, alliant légèreté et présence grâce à des structures aériennes. Elles expérimentent de nouveaux matériaux et techniques, empruntant à la dinanderie l’argent et le cuivre pour créer une matière textile métallique unique et légère. Chaque pièce est conçue sur mesure, fruit d’un processus technique précis et exploratoire, alliant beauté, harmonie et émotion.

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Manon Lacoste façonne ses pièces en porcelaine blanche, un matériau exigeant choisi pour sa pureté et sa lumière, qu’elle tourne puis modèle avec précision. Le décor est réalisé par un travail méticuleux d’incisions et d’empreintes, créant des motifs délicats évoquant la dentelle ou le tatouage, rendus palpables au toucher. Après une première cuisson à 980 °C, elle émaille et teint certaines zones avec des oxydes métalliques pour accentuer la profondeur et le contraste des motifs. La seconde cuisson à 1 300 °C vitrifie la porcelaine, révélant sa solidité et sa transparence, résultat d’un processus technique précis et exigeant. Ses sculptures combinent ainsi maîtrise technique et finesse expressive.

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Le travail d’Arnauld Le Calvé repose sur une maîtrise technique de la terre et du verre, deux matériaux aux propriétés opposées — brut et lisse, opaque et transparent — révélées par le feu. Sculpteur de l’instant, il façonne formes et couleurs en jouant sur ces contrastes pour traduire ses états émotionnels. Ses créations, de l’habitat utopique aux totems de la série actuelle Les Gardiens, inspiré de diverses cultures animistes tel que le Shintoïsme, explorent la transformation et l’équilibre des matières à travers le geste et la technique.

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Isabelle Léourier développe une pratique sculpturale centrée sur la maîtrise technique et l’expérimentation des matériaux. Formée en tant que styliste et modiste, elle utilise le textile, l’acier, les plumes et la résine, combinant couture, broderie, plumasserie et modelage pour créer des formes organiques. Son travail explore la fragilité et l’énergie vitale, métissant techniques traditionnelles et innovations personnelles. Chaque pièce naît d’un processus précis où abstraction et figuration se rencontrent, donnant vie à des sculptures vivantes et poétiques..

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Alix Liegey, céramiste formée à l’architecture, développe une pratique centrée sur le modelage précis du grès. Elle façonne à la main des briques uniques et numérotées, qui deviennent l’élément central de son univers artistique. Son travail technique explore la forme, le format et la fonction, tout en jouant sur la perception et l’usage du matériau. Elle collabore parfois avec d’autres artisans, enrichissant sa pratique par des expérimentations partagées. Chaque pièce reflète maîtrise technique, créativité et attention au détail.

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Emmanuelle Manche, formée en art céramique à l’ENSAAMA (Ecole nationale supérieure des arts appliqués et des métiers d’art, développe une pratique centrée sur le modelage précis du grès. Elle crée des personnages figuratifs à la frontière du réel, inspirés de légendes, de contes et de traditions magiques. Le grès, matériau riche et polyvalent, lui permet d’explorer des formes variées et des textures fines, donnant vie à des créatures mi-animales, mi-végétales, parfois humaines. Son travail technique combine liberté créative et maîtrise du modelage, transformant la matière en récits sculptés empreints d’émotion.

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Artistes, designers et artisans, Alex et Svet se distinguent par un univers où un design singulier rencontre un savoir-faire d’exception, fusionnant harmonieusement techniques traditionnelles et innovations de pointe. Depuis 2000, ils sélectionnent avec soin des matériaux non conventionnels, qu’ils transforment dans leur atelier parisien – un espace d’expérimentation permanente où chaque pièce est façonnée à la main, avec une attention particulière portée aux moindres détails. Une fusion parfaite de style contemporain, d’esthétique rétro-futuriste, de design avant-gardiste et de grâce intemporelle.

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Artiste et designer d’origine franco-malgache, Prisca Razafindrakoto développe une pratique à la croisée de la sculpture et du design. Formée à l’ENSAAMA (Ecole Nationale Supérieure des Arts Appliqués et des Métiers d’Art), d’abord en design de produits puis en Métiers d’Art, elle travaille le métal comme un matériau sensible, jouant de sa dualité entre force et délicatesse. Son langage formel, nourri par le métissage culturel, oscille entre surréalisme et minimalisme et questionne les limites de l’objet. Accordant une place centrale à l’aléatoire, elle privilégie une approche intuitive où accidents et imprévus participent à l’unicité de chaque pièce, donnant naissance à des œuvres fluides, narratives et colorées.

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Sandrine Tortikian conçoit des luminaires, des objets décoratifs et d'art de la table. Elle explore toute la richesse de la porcelaine pour développer son univers poétique, délicat et sensible. Sandrine trouve l'inspiration dans sa curiosité et crée par instinct. Elle aime à conjuguer les formes et associer les matières avec créativité et légèreté.

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