Jardins secrets

L’exposition « Jardins secrets » réunit quatorze artisans d’art ainsi que l’association Citémômes autour d’un dialogue sensible entre création contemporaine et monde vivant. Verre, textile, papier, céramique, porcelaine ou fibres naturelles deviennent les supports d’une exploration poétique inspirée par le végétal, l’animal, l’eau, la lumière et le minéral.

À travers des œuvres délicates et singulières, chaque créateur révèle la beauté des matières et la richesse des formes naturelles. Entre fragilité, savoir-faire et imagination, les pièces exposées invitent le visiteur à ralentir le regard et à redécouvrir les détails du vivant. Entre tradition artisanale et expression contemporaine, cette exposition célèbre un artisanat d’art attentif à la nature, aux gestes et aux liens subtils qui nous unissent à notre environnement.

Nous vous invitons à découvrir ces explorateurs de la nature que sont l’association CITEMÔMES – Tricote un sourire, Catherine BAILLY, Laurence BERNARD, ICÔNE | Caroline de Fraville, Pauline FAURE, Thierry GARANCE, Amandine GOLLÉ, Héléna GUY LHOMME, Julie JOHNSON - Secret Gaden Galss, Simone PERROTTE, Zoé PIGNOLET, Claire PONTIÉ - Amabilis atelier, Marie RANCILLAC, Catherine ROMAND - Romand’art, Andréa VAGGIONE.

Venez à notre rencontre le samedi 27 juin de 14h30 à 17h30, à l’occasion de notre atelier « Tricote un sourire : Ensemble nous sommes Monet 2026 », au Pop-up store des Ateliers Saint-Cyr. L’événement est gratuit et ouvert à tous.

Issue d'une formation artistique et autodidacte dans la pratique du verre, Catherine Bailly travaille le verre filé au chalumeau.

Ses pièces sont inspirées de la nature du quotidien, celle qui pousse à nos pieds : herbes et végétaux modestes deviennent ses motifs de prédilection. Chaque élément est façonné à la main puis assemblé dans une composition de centaines, voire de milliers d’éléments. Par leur accumulation et leur transparence, ces paysages fragiles jouent avec la lumière et invitent à une observation attentive du monde végétal ordinaire.

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Peintre et artiste textile, Laurence Bernard saisit l’éphémère du rythme de l'eau, des mouvements des poissons, des reflets du ciel.

Installée à Audierne, près de la Pointe du Raz, Laurence Bernard transforme les imperfections des toiles du XIXème siècle en récits visuels et tactiles. À travers ses œuvres, elle invite le spectateur à une immersion sensible, presque méditative, où le poisson et l’eau deviennent métaphores de la fluidité de l’existence et de l’harmonie entre l’être et son environnement.

Son support : des toiles anciennes en lin ou chanvre datant du XIXème siècle et soigneusement choisies pour leur vie passée, leur texture et les traces d'usures qu'elles portent ; ses gestes, peinture, broderie de fil rouge, soulignent la délicatesse et la fluidité, invitent à un voyage sensoriel.

Récemment, la collection Porcelaine née de la collaboration avec Atelier Ter, prolonge cette exploration artistique. Ainsi luminaires et assiettes en porcelaine, peints à la main ou sérigraphiés, où matière et mouvement se répondent.

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La créatrice Caroline de Fraville conçoit ses luminaires comme des présences habitées. Issue du monde du stylisme et de la décoration, elle transpose son regard sur la matière pour créer des pièces à la frontière entre objet de design et œuvre plastique.

Sous la signature d'Icône, elle impose une esthétique de la dualité. Son travail explore la tension entre la matité profonde du coton peint à la main et la transparence réfléchissante du verre. Le geste pictural, libre et intuitif, vient ici s'appuyer sur la rigueur architecturale du laiton et du fer.

Chaque pièce est le résultat d'une alchimie entre l'émotion du trait et l'exigence des métiers d'art. En orchestrant le savoir-faire de verriers, laitonniers et ferronniers, Caroline de Fraville ne livre pas seulement une source de lumière, mais une expérience visuelle radicale destinée à redéfinir la personnalité d'un espace.

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Dans son travail, Pauline Faure sculpte et représente la nature.

Elle explore différents mondes et leurs habitants et tente de sublimer les formes et les couleurs de la nature afin de sensibiliser à sa beauté et à sa richesse infinie. Pour amener encore à l’émotion et à l’étonnement, elle a choisi de travailler un matériau commun et d’ainsi lui donner une dimension extraordinaire : le papier.

La fragilité du matériau, sa finesse, nous rappellent qu’il faut traiter les créatures et les écosystèmes avec une grande précaution. Fascinée par les particularités du papier, à la fois fragile et solide, elle aime ce parallèle avec la nature qui nous entoure. Sculpter le vivant avec ce matériau est une source d’expérimentations et de découvertes infinie. Formée à l’École Supérieure d’Art et Design de Valence et aux Arts Décoratifs de Strasbourg, elle sort diplômée en 2015.

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Thierry Garance explore sans relâche de nouvelles formes pour dire le monde et en inventer des récits. Artiste plasticien aux pratiques multiples, il passe de la sculpture à la peinture, de l’installation à la vidéo, des séries animées aux dispositifs immersifs. Chaque projet trouve son langage propre, dans une recherche de justesse, de résonance et de poésie, avec l’objectif de provoquer l’émotion, toucher et éveiller.

Son parcours, celui d’un touche-à-tout assumé, est nourri par des rencontres déterminantes - des débuts engagés à Charlie Hebdo jusqu’aux expositions immersives. Il aboutit récemment à la création, avec les Procédés Chenel, d’une nouvelle forme de sculpture : Honey Sculpt. Après cinq ans de recherches, il présente des œuvres en Drop Paper (60 gr.), un papier aux propriétés étonnantes - souple, expansif, pouvant être peint et animé. Une nouvelle matière, et pour lui un territoire d’expression porté par un humour subtil et libérateur.

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Amandine Gollé est une artiste graveuse dont le travail s’inspire des vibrations de la nature et de l’énergie du monde.

À travers des estampes réalisées sur de grands panneaux de bois, elle cherche à révéler l’invisible et à partager des visions et souvenirs imaginés. Sa pratique, méditative et répétitive comme un mantra, efface la notion du temps et se prolonge dans une démarche performative : elle cisèle, gratte, frotte et frappe la matière pour créer des environnements immersifs.

Formée aux Beaux-Arts de Nancy (2007–2012) et marquée par des séjours à Madrid et Wuhan, elle revendique une relation sensible au monde : « Je traverse le monde… et le laisse aussi me traverser ».

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Héléna GUY LHOMME est artisane textile et plasticienne. Sa vocation prend racine dans les ateliers d’artistes de Moscou et évolue ensuite en France lorsqu’elle s’éloigne de la rigidité de la céramique et du bronze pour la plasticité et l’artisanat du travail de la laine. Elle développe alors son goût pour une matière écologique, de production humaine et animale, évocatrice d’une histoire féminine.

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Originaire d’Écosse, Julie Johnson découvre le verre soufflé sur l’île de Sark, où elle suit trois années d’apprentissage. Ensuite, elle poursuivit sa formation en Grande-Bretagne, avant de s’installer en France en 1994. Elle travaille dans divers ateliers en tant que souffleuse de verre. Puis, en 2003, elle crée son propre atelier en Bretagne. Pendant vingt ans, elle y développe une activité de production ouverte au public, tout en menant une recherche personnelle.

En 2023, elle choisit toutefois de revenir à l’essentiel en créant Secret Garden Glass, un espace intime où elle travaille seule. Inspirées par la nature, ses pièces s’inscrivent dans un univers poétique : elle y explore la matière à travers des gestes précis, donnant naissance à des pièces uniques.

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Le travail de Simone Perrotte consiste à réaliser, entièrement à la main, des pièces décoratives uniques en céramique qui sont le fruit de ses recherches de formes, matières, couleurs et graphismes inspirés par le monde végétal et animal. Ses motifs s’appliquent aussi parfois sur papier et textile pour créer des installations comme des « paysages imaginaires ».

Toutes ses pièces sont uniques et entièrement modelées ou tournées avec de la porcelaine de Limoges, peintes et gravées à la main, à partir d’engobe noir ou coloré, émaillées d’une couverte de haute température et rehaussées de touches d’or, de platine ou de couleurs de petit feu.

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Zoé Pignolet est une artiste brodeuse dont le travail se situe à la croisée de l’art, de l’artisanat et du design.

Formée à l’École Duperré à Paris, elle a travaillé pendant sept ans comme styliste broderie pour la haute couture, avant de développer une pratique indépendante à Lyon. Inspirées par une observation sensible du monde végétal, ses œuvres explorent une nature onirique à travers le fil, la matière et la lumière. Entre surface et volume, la broderie devient sculpturale, révélant textures, reliefs et vibrations.

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Claire Pontié s'est formée à l’école des Arts Décoratifs de Strasbourg au sein de l’atelier

« bijou contemporain ». Le travail de la ciselure et du martelage sont les techniques qu'elle apprécie particulièrement et qu'elle commence à développer autour de formes végétales.

Diplômée, elle prend le nom d'Amabilis atelier pour proposer des bijoux artisanaux pensés comme un hommage aux trésors de la nature. Chaque modèle est inspiré d’un élément végétal, animal ou minéral au charme particulier. Il invite à redécouvrir et à chérir l’espèce à laquelle il emprunte la forme.

Entre interprétation personnelle et reproduction fidèle, chaque bijou est dessiné puis fabriqué artisanalement à l’établi. À partir de plaques et de fils de laiton et d'argent découpés, limés, martelés, ciselés, brasés et polis, les boucles d’oreilles et colliers prennent forme dans l’atelier strasbourgeois avant d’être envoyé pour une dorure chez un artisan spécialisé.

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Après des études de stylisme, Marie Rancillac se tourne vers la sculpture, plus solitaire et adaptée à un temps long.

Depuis ses débuts, elle puise son inspiration dans la Nature, notamment les végétaux éphémères. Elle les considère comme des objets précieux et en extrait des formes naturellement belles. Fruits et légumes deviennent des sujets plastiques, façonnés en grès chamotté. Transformés par le modelage, ils accèdent à une seconde vie, durable et onirique.

Amatrice de natures mortes, elle en détourne les codes et attribue des caractères aux formes. Ainsi, une figue devient méditative, une aubergine sensuelle, un navet affirmé, une courge dialoguant avec son socle.

Les pièces sont montées et assemblées à partir de rubans de terre, puis cuites à haute température. Elle ajoute ensuite des engobes colorés en laissant des zones naturelles pour un rendu bicolore.

Entre figuration et abstraction, elle recherche l’équilibre et célèbre une Nature consolatrice face au chaos du monde.

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Diplômée de l’ENOV, Catherine Romand a exercé près de 25 ans la vannerie traditionnelle à Villaines-les-Rochers avant d’évoluer, avec son mari Christophe - osiériculteur et vannier Meilleur Ouvrier de France -, du rotin vers l’osier et du meuble vers le panier.

Elle conçoit des pièces originales et sur mesure mêlant osier, fer forgé, cuir et bois, en vannerie fine, ameublement, sculpture, osier vivant et luminaires. Reconnue pour la qualité de son geste et l’identité de ses créations, elle a reçu le prix Coup de cœur de la SEMA en 2003, s’est installée à son compte en 2010, et a été distinguée en 2024 par le Prix

« L’intelligence de la main » de la Fondation Liliane Bettencourt Schueller. Elle participe également à des salons professionnels.

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Artiste et designer d’origine argentine, Andréa Vaggione découvre le bijou contemporain en 2001 à Córdoba. Elle s’installe ensuite à Barcelone en 2005 pour se former aux techniques de forge à l’école El Taller de Joyería, puis rejoint Lyon en 2012. Lauréate du concours "Talents de mode", elle y crée sa boutique-atelier au Village des Créateurs, où elle développe son activité et son entreprise.

Sa démarche artistique vise à sublimer le vivant et à rendre hommage à la générosité de la nature. Son travail explore la transformation, le mouvement et le cycle naissance-renaissance, à travers des bijoux épurés et intimes qui traduisent à la fois force et fragilité. En passant du micro au macro, elle fige l’éphémère (fleur, insecte, éclat, couleurs) pour en faire une nature durable, poétique et sensible, invitant chacun à porter un rêve et à écrire sa propre histoire.

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